(…) Le régime des images est le principal territoire de ses expériences picturales, il se donne à voir notamment à travers le choix de photographies sources que l'artiste récolte quotidiennement et qu'elle compile sans hiérarchie.
Dans son iconothèque, les reproductions des tableaux des grands maîtres se confrontent aux images numériques déversées sur les réseaux sociaux, elles se mêlent et s'activent en réaction. D'Instagram à l'histoire de l'art (ou même au quotidien de l'artiste),dès qu'elles sont repérées et archivées, les images entrent dans le registre de la peinture. Elles deviennent des éléments qui peuvent servir les œuvres, des couleurs, des textures, des compositions, des rythmes... (…)

Guillaume Mansart, 2022

(…) Hazel Ann Watling, elle se libère de son impact narratif et obtient une signification déterminée par l'intérêt de l‘artiste à des formes, des rythmes et des couleurs. Une image binaire peut ainsi devenir un mobile qui engage des éléments de la peinture, tel que la matière, le support et l‘espace. Par toute une série de décisions, Hazel s‘approche de l'acte de peindre. Elle se fabrique des supports qui correspondent aux projets, comme récemment des caisses en bois d'un format moyen. Elle choisit une palette toujours restreinte, n'incluant parfois qu'une ou deux couleurs. Le processus de travail est ralenti, peignant, elle consacre du temps à l‘observation de la dynamique propre des couleurs, leur liquidité et leur manière de se déployer sur le support. Le monde binaire reste à ce stade une sorte de mémoire se reflétant dans plusieurs aspects de sa production : ses caisses en bois ont des courbes sculptées sur leurs côtés. Cela suggère la possibilité de les manipuler et les empiler, en référence à des images qui se superposent sur un écran. Aucune peinture n'est exclusive, elles existent toujours en relation avec d'autres images, souvent encastrées dans une approche sérielle.
Dans ses installations l'artiste assemble sans hiérarchie des peintures sur des supports très différents - papier, toile, ou bois. Elle intègre également des images numériques imprimées qui ont le même droit à une existence physique que les images peintes. (…)

Katharina Schmidt, 2016

Dear Hazel,

I am borrowing this format from a friend, the philosopher Jens Soneryd, who started his series on texts for artists exhibiting at Åplus gallery in Berlin with a wonderful text, for, rather than about my work. I wouldn't even attempt such a content-related approach but I hope to be able to tell you about the thoughts your work evokes in me whilst writing this letter to you.

What is immanent when I consider your work is the South and here especially the South of France…again and again…the colours, the lines, the figures, the lightness, and the light itself.

The first original piece of your work, I had a chance to look at during our "Kaffee & Kuchen" event here in Berlin, was not a painting at all…and yet it was. It was a coloured, sewn, and quilted fabric that elicits protection, a blanket, not to cover something or someone but to embrace and envelope.

Red and yellow and orange and pink, colours that often represent the sun, here they appear on an object that might well be used to protect us from her. It is this contradiction that becomes notable in my memory. The invisible and increasing danger that lingers in sunrays, the beauty in both: the light and the colours of the object, its softness, and its notion of an armour, its heaviness despite it weighing next to nothing. It is the mix of all this that stays in my mind.

Looking through photos of your work, I discover a quilted speech bubble that appears on first sight like a potholder, an everyday object in the kitchen, again to protect the hands from heat. And again it is coloured in shades of red. But the object transforms when looking closer. We recognize the bubble and comics come to mind. The use of language in images, signs, short texts, pictures in social media…. confirmed finally when reading the sub-title you choose: "emoji – speech bubble".

Both works mentioned here are emphasizing on their object character. Going back in time I see other works on fabric, loosely hanging cloth and the traditional canvas. The form is more familiar in painting, and there are more painterly manifestations to be found on the fabric's surface from abstract brushstrokes to figures that make reference to other paintings. Often the pieces are cut up and sewn together again in various geometrical patterns. They share this idea of collage with your paperwork.

Cutting and composing, bringing the bits and pieces together in a new order. Lately the painted fabric even turns into dresses and therefore returns to the body.…here, your body when wearing them and the body of the painted figure on the surface.

What runs like a rite line through all the work is the light(ness) of the southern hemisphere and if I wouldn't know better, I would think of you as a French painter. That you grew up and lived and even got educated in art in England's North is such an antagonism it seems. But then that's maybe what adds the extra bit to a body of work that is sheer overwhelming in its beauty.

Michaela Zimmer, january 2023