Cette œuvre se constitue par la complémentarité de trois éléments : une vidéo, la sculpture et un poème en prose. La vidéo montre un être humain portant un masque fabriqué à partir de plastique récupéré. En marchant toute une journée, il pousse un dispositif mobile de teinture végétale. L’objet est présenté comme une sculpture-outil fonctionnelle. Enfin, un poème en prose, inspiré de Kobe et de Mexico, accompagne et structure l’ensemble.

J’ai ramassé des fragments de plastique autour du terrain vague de l’ancien marché d’Inari, où les plantes sauvages poussent sans entretien. Afin de façonner un masque, je les ai chauffés. Un grand bidon récupéré dans un chantier naval voisin collecte l’eau de pluie depuis le toit. En le chauffant, les plantes cueillies sont bouillies pour la teinture. Les résidus sont restitués au compost dans un petit jardin situé devant le dispositif. Il s’agit d’une sculpture-outil permettant de couper et de teindre les plantes sauvages des terrains vagues¹ tout en se déplaçant.

Dans l’ancien marché d’Inari, où la pression de réaménagement urbain entraîne des problèmes d’éviction, j’ai travaillé en plein air sur le terrain vague. À travers les rencontres avec les habitants, une question s’est imposée : de quoi ont-ils réellement besoin ? Que peut l’art dans la société ?
Sous le soleil brûlant de l’été, j’ai transporté cette sculpture sur environ cinq kilomètres jusqu’à l’Atelier KOMA, lieu engagé dans des activités sociales. À chaque geste de coupe des herbes sur le terrain vague, cette question se lève.

Le poème en prose présent dans la vidéo, « image-poème » (詩像), s’appuie sur l’analogie entre les transformations urbaines de Mexico et de Kobe afin d’explorer les dimensions macro et micro du milieu, l’histoire géologique, ainsi que les dynamiques de nomadisme et de sédentarité des plantes et des humains. Sur fond d’Anthropocène — époque où l’activité humaine transforme la planète à l’échelle géologique — l’œuvre s’articule autour de ma théorie de création, « l’Anthropoïèsis mésologique »². Elle est portée par une interrogation poignante : quel rôle une intervention artistique, en tant qu’acte éphémère, peut-elle jouer face aux problématiques locales ?

Sens du lieu

1995
Même après la disparition des traces,
les couleurs s’enracinent dans l’herbe et les hommes.

La terre tremble, se disperse,
le vent la fait respirer,
entrelaçant un vast espace.

Monono nare (C’est ce qui devient)

Comment les chasseurs-cueilleurs ont-ils enraciné leurs pas,
tissé leurs mots,
raconté leur milieu ?

Le gigantesque lac Texcoco entièrement drainé,
la chaîne du Rokko taillée et extraite.

Face aux temps géologiques,
la littératie de la création et de la destruction
s’évanouit en une seconde.

Dans un milieu inconnu,
proclamer l’art,
n’est-ce qu’un souffle éphémère,
ou un caméléon érodé par la société ?

Après un long mûrissement,
le bourgeon de l’agave est tranchée,
pour son nectar sucré recueilli,
et la terre du ciel fermente.

Shishite naru (Ce qui devient après la mort)

La mort s’accumule sur la terre,
et ceux qui l’exhument
aspirent aux traces sans forme.

Comme le Sisyphe des herbes sauvages,
de quoi vit et de quoi meurt ce lieu ?
Ce que l’on perçoit,
c’est la forme d’un geste tracé,

une empreinte entre ciel et terre.


Juillet 2023 à Kobe,
Masahiro Suzuki